辛夷花小陶朱公系列
本期2024.12.
雙月刊2017.02.首刊
范蠡到了當時的商業中心陶（即今山東的定陶縣）定居，自稱「朱公」，人們稱他陶朱公。陶朱公定居陶縣後十九年，表現非凡的經營商業、農業、牧業很快富有起來，他賺了錢，就從事各種公益事業。他的行為使他獲得「富而行其德」的美名，成為幾千年來我國商業的楷模。
小陶朱公～～愛上手作.愛上蝶古巴特的王明麗
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小陶朱公的啟示錄 2 蝶古巴特歷史 3 台灣漆藝歷史 6 |
漆器之技術 10 剪紙藝術歷史 12 剪黏 13 |
《Decoupage》源自於法文動詞，意思是將美麗的圖型裁剪，拼貼裝飾於家飾物品或傢俱上；另一種就是《Decoupage》其實是源自東方漆器的裱貼技法。
在台灣Decoupage被直譯為【蝶古巴特】，將傳統技法簡單化，演變成人人可輕鬆上手又療癒的手作藝術創作。它可以將老舊物品改造增添色彩藝術創作給與物品改造更具生命力，後來更有很多人喜歡成為一種藝術創作。
15年前在一個偶然的機會參加社區手作課程，對蝶古巴特是完全陌生不曾接觸過的。在空閒時間拼拼剪剪將圖紙貼到木器上，一邊玩色一邊構思設計作品⋯當作品完成後看到自己的作品是如此美麗。面對當時碰到的人生低潮期卻在享受手作過程中，漸漸淡忘所有的不快⋯很多作品未完成就被朋友同事拜託賣給她們（哈！後來常被我拿來當禮物送）。或許是創作過程很療癒又被別人稱讚與肯定吧，慢慢的我[愛上手作.愛上蝶古巴特]！
退休那年當了奶奶剛好又碰上COVID-19疫情，對家裡有Baby的哪裡也去不了！玩了10多年的手作苦找不到喜歡的手作教學課程，當然那時團課是完全停課的。
碰巧在網路看到有我喜歡的風格老師要開證書課程，雖然線上課程價位有點高，但卻澆不息喜愛手作的我。想證明自己在藝術創作上的能力於是展開跨海證書課程！
拿到初、中階證書後，我意猶未盡的再挑戰高階課程！因為是國際課程必需自己找所有材料，有時為了等國外寄來的材料、顏料苦等二個月及付高昂的國際運費⋯但手作熱情甘之如飴，因為很療癒呀！
參加市公所圖書館創辦的讀書會多年，在某期課程上需上台分享閱讀心得，靈機一動念頭一轉將閱讀【還在學】一書與手作結合心得分享，讓姐妹知道所謂的《終生學習》就是任何年齡層都是可以學習藝術創作的。在會長請託下展開第三次的團課教學！告訴會長我只有一個念頭，找個實用又典雅的麻布袋，讓姐妹挑漂亮的圖紙作好一個屬於自己獨一無二又喜歡的作品！外表顏色斑駁脫落的保溫杯改造後也煥然一新️。酒瓶改造後的酒瓶燈變成藝術品、無比成就感。筆記本也可以拿來創作變成獨一無二的作品是多麼珍貴美好。
在文書淑美的協助下幫我製作了非常專業質感的作品影片，讓整場教學活潑生動。看到姐妹認真的創建作品，完成後開心的背著美麗的自創麻布袋擺著Pose拍美美的照片⋯這是教學最美好的時刻，每個人臉上綻放自信的笑容，真是太美好了！
看到有些姐妹會背著心愛的手作麻布袋來上課，然後告訴我：明麗老師，謝謝妳我好喜歡這個作品，我心好暖噢！
【蝶古巴特美學】著重在背景設計，透過圖紙舖陳，剪紙刀工、色相學的色彩配色、美學藝術概念以及最重要的技法學習。最後加上型染效果作品才能將作品完美呈現⋯
心靜才能思考如何創作，創建作品是專注的，沉浸在手作美學過程是非常療癒的。所以蝶古巴特也是一種藝術治療，透過手作過程觀找內心找回人生意義與核心價值達到身心靈的健康力量！
目前完成了最後高階課程並拿到共五張國際證書，事實證明只要努力並持之以恆沒有無法達成的任務！因為是興趣使然未來只要是值得學習的課程就會有動力繼續創作。教學對我而言就是緣份，抱持著教學相長的態度學生反而是更開心學習的。
只要願意，有一天你（妳）們也會跟我一樣【愛上手作.愛上蝶古巴特】️。
小陶朱公的啟示錄
一、【蝶古巴特美學】著重在背景設計，透過圖紙舖陳，剪紙刀工、色相學的色彩配色、美學藝術概念以及最重要的技法學習。最後加上型染效果作品才能將作品完美呈現。從這一段文字來看，蝶古巴特要玩得起興，所須具備的素養非同小可，想必老師的課程設計當是非常富有啟發性的。
二、自費線上買課程從低階到高階共有五張國際證書，可以為大家榜樣的就是這種學習深入的心智力量，十五年歷程到現在又立為終身學習的生活典範，讓我們有志踏入學習的人必須深思的。
三、蝶古巴特在我們這裡已經非常成熟，如何玩出興趣且有階段性的成就，學員有必要得到老師的指導，然後就是認真不間斷的投入實作，祝大家把此資訊變成美夢，並促其成真。
蝶古巴特歷史
蝶古巴特（英語：decoupage 或 découpage）是一種裝飾藝術，意指在物體表面黏貼剪下的色紙圖樣，並結合特別的繪畫效果、金箔與其他裝飾元素。通常會使用從雜誌或特別製作的紙剪下的圖樣覆蓋像是小盒子或傢俱的物體。每一層都會使用清漆覆蓋（經常有多層），直到「黏貼」的外觀消失且結果看似繪畫或鑲嵌作品。傳統的技術是使用30至40層清漆，接著會以砂紙磨光。
3D蝶古巴特（有時也被簡稱為蝶古巴特）是一種創造三維（3D）影像的藝術，方法是從一系列相同的影像中剪除不同大小的元素，再層層堆疊起來。通常各層之間會放置有黏性的泡沫間隔物，使影像厚度增加。
金字塔蝶古巴特（pyramid decoupage 或 pyramage）是一種類似3D蝶古巴特的方法。在金字塔蝶古巴特中，一系列相同的影像被剪裁成越來越小且相同形狀，然後被堆疊起來，並用有黏性的泡沫間隔物固定，如此就可以呈現3D金字塔的效果。
History of Découpage
Découpage has a long and fascinating history that can be traced back to a variety of styles from many distant countries. Over the centuries it boasts many famous practitioners including Marie Antoinette, Madame de Pompadour, Lord Byron, Beau Brummel and more recently, Matisse and Picasso.
As far back as the 12th century, Chinese peasants were creating paper cutouts in vivid colors to decorate windows, lanterns, gift boxes and other objects. This Chinese practice and expertise with scissors is thought to have come from Eastern Siberia, where cutout felt figures and designs were decorating objects in the tombs of Siberian nomads. The tombs date back to before Christ. German and Polish artisans have also been using cut paper for decoration over several centuries. Polish women and children in particular, developed enormous skill with folded colored papers which they cut freehand into geometric shapes and stylized birds, animals and flowers.
However, it is the late 17th century lacquer work from the Far East, mostly in the form of furniture, which we tend to associate with today’s découpage. Oriental lacquered objects became fashionable in Europe and in no time demand exceeded supply. As a result, Venetian cabinet-makers and lacquerers (called depentore) began to produce fake lacquer work to keep up with the demand. This work was known as lacca contrafatta-counterfeit lacquer. Apprentices were employed by the artisans to hand-color the prints and engravings of leading artists.
These were then cut out, pasted to the surface to be decorated and covered with many layers of lacquer to produce furniture and objets d’art that closely resembled the unique and popular work being brought by traders from China and Japan. Parallel to this development, the wealthy classes were using master painters to paint their furniture and decorate their walls and ceilings.
However, in time, because of excessive demand and the fact that many people could not afford the works of the masters, an alternative form of decoration developed. Drawings from the artists of the day were cut out, glued down and covered with lacquer to resemble original paintings. From this derivation came the alternative term l’arte del povero-poor man’s arts. During the 18th and 19th centuries this art form flourished throughout Europe. It even infiltrated the court of Louis XV. Ladies with an artistic bent snipped away at pictures and pasted them onto hatboxes, wig stands, fire screens and toiletry objects, keeping themselves amused for hours.
The works of Boucher, Watteau, Fragonard, Redoute, Pillement and many other distinguished artists came to this sticky end. Many magnificent examples of fine cutting, coloring and design can still be found today on bureaus, chiffoniers, armoires and similar pieces of furniture as shown in the photograph.
Mention must be made of a certain Mrs. Mary Delaney who lived in England from 1700 to 1788. This charming, witty and talented woman was a confidante of King George III and Queen Charlotte and a greatly loved member of their court. Her close friends included William Hogarth, Jonathan Swift and Sir Joseph Banks. Amazingly, at the age of 71, Mary started producing the most exquisite and botanically accurate reproductions of plants and flowers by cutting up fine tissue paper which she had first hand-colored. She produced her “paper mosaics”, as she called them, until the age of 88 when she succumbed to failing eyesight. These superb paper cutouts can be seen in the British Museum today.
Like Mrs. Delaney, many gentlewomen in 18th century England became very adept with scissors and were engrossed with the art of decorating with cutout images under lacquer. This and the general skill of lacquering were known in England as Japanning. In 1760 a certain London printer, Robert Sayer, produced a much sought-after book called The Ladies Amusement or The Art of Japanning Made Easy. The book contained 1500 illustrations for artist craftsmen, but it was particularly popular with leisured ladies who loved to color, cut and paste the charming drawings. It also contained five pages of instructions on how to color, glue down, varnish and polish the cutouts. These instructions are preceded by “directions for composition” in which the reader is advised about the combination of subjects. “If the scene is European in the body of your design,” he directs to put in “no exotic or preposterous object…..We have seen a butterfly supporting an elephant and things equally absurd.”
In 19th century England, during the Victorian era, hand coloring and intricate cutting out gave way to the more sentimental, florid collage-style of this art form. This coincided with the introduction of Valentine cards, decorative and embossed papers and braids to embellish surfaces such as screens, lamp bases, linen boxes and much more.
Many a Victorian nanny taught her young charges to beautify objects by applying decorative paper pieces to them. While these découpage pieces lacked subtlety and skill, they made up for it with a certain bold and sentimental charm.
Découpage is a 20th century word which comes from the French word découpeur meaning to cut out. Paper cutouts are reassembled and designed and then glued to a painted or gilded surface. The most traditional technique includes applying 30-40 layers of varnish which are sanded to a beautiful smooth sheen However, cutouts may also be applied under glass or alternatively raised to give a three-dimensional appearance. With such a long and varied history, it is not surprising that découpage is still evolving with new styles. With its colorful origins and variety of techniques the possibilities for this fascinating art form are infinite, offering scope for endless hours of creativity as well as enjoyment.
https://reurl.cc/zpyoAk
蝶古巴特的歷史
蝶古巴特有很長而顯耀的歷史，它可以回朔到很多地域所存在的型態，在上世紀已經產生很多的名人，包括Marie Antoinette, Madame de Pompadour, Lord Byron, Beau Brummel and more recently, Matisse and Picasso.最早在十二世紀， 中國農民創造一種剪紙用鮮豔的顏色裝飾窗戶、燈籠、禮物盒、和其他物件。 這種實踐用剪和其中專業知識，被想到來自東西伯利亞。那裡剪紙設計毛氈人物來裝飾西伯利亞遊牧民族的祖先墳墓，那些墳墓都是在西元前的。
德國和波蘭工藝家也已經使用剪紙來裝飾有了些世紀，波蘭婦女與小孩已特別開發出巨大的剪紙技術來折色紙，用徒手裁剪成幾何圖形和應用形式的鳥、動物和花。
然而，那是十七世紀末漆藝從遠東引進大多是我們今天要連結的蝶古巴特家具的形式，東方的漆藝物件變成流行在歐洲且很快的需求多於供給，因此威尼斯櫥櫃製造者和漆工(叫做depentore) ，開始生產偽造的漆藝品來維持需求。這工品就是出名的假漆假漆(lacca contrafatta-counterfeit lacquer) 。學徒都被工藝家 顧來手工上色頂尖藝術家的印刷品和版畫，然後剪紙貼在表面，裝飾併覆蓋很多層次的漆藝品，來製造家具和物件非常相似獨特，且流行工品已被中國和日本貿易商買走，相對於這發展富裕階層者將用畫家大師來畫她們的家具，裝飾她們的牆壁和天花板。
然而立刻的因為過度的需求，很多群眾無法買得起大師的藝品，一種選擇性的裝飾形式發展。當天來自藝術家的圖紙被剪紙黏上併覆蓋漆，使類似原畫，從這模式推導變成窮人的藝術(l’arte del povero-poor man’s arts) 。
在十八與十九世紀間，這種藝術形式蓬勃發展於整個歐洲，幾乎滲透入路易十五的宮庭，女士們傾向於剪掉圖把它們黏在帽子盒、假髮架、防火屏風和盥洗用品，讓她們逗樂了些小時。
屠夫、華托、弗拉戈納德、雷杜特、皮勒門特等漆藝家，和很多其他傑出藝術家來到黏性末端，很多壯麗的精細的切割、著色和設計例子仍然可以在今天被發現書桌、抽屜櫃、衣櫃和類似家具在照片簿上。
一件必須被提到的肯定關於Mrs. Mary Delaney，她於 1700 to 1788生活在英國。
迷人、機智、才華洋溢的女人，是喬治國王三世和查洛德皇后的知己，且深受喜愛的宮庭成員，她的親密朋友包括William Hogarth, Jonathan Swift and Sir Joseph Banks等。令人驚訝的是高齡71歲的她，開始生產精美且植物學上準確的植物和花的複製品，透過剪裁精緻的細薄紙，她自己親手上色繪製的，她產製她的紙馬賽克 ，到88歲屈服於視力衰退。她一直這樣叫著紙馬賽克，這些精美的剪紙在今天的大英博物館還看得到。
像Mrs. Delaney一樣，十八世紀的英國的很多貴婦人全神貫注在漆下剪出影像的裝飾藝術，這和一般漆藝技巧成為與日本一般的在英國著名起來。在1760年倫敦一位印刷者 Robert Sayer 印製很多搶手的書，名叫「婦女的娛樂」或者「日語變簡單的藝術」內有一千五百例藝術工匠。那些只是特別普遍的喜愛彩繪剪紙和黏成迷人的圖畫的攸閒女士，它也包含五頁說明如何彩繪剪下上漆磨光的剪紙，這些說明是之前作文指導，讀者可從那裡得到關於主題結合的建議“如果場景是歐洲人在你的主體設計中” 它會引導歸類在「沒有異國情調或荒謬的物體」。我們曾看到一隻蝴蝶支撐著一隻象，和相當於荒誕的事件。
十九世紀的英國，在維多利亞時代，手繪和錯綜複雜的剪紙藝術型態讓路給更多感傷、華麗的拼貼風格，這也適合推介情人卡裝飾的且浮雕的紙或辮子，修飾表面例如螢幕、燈座、亞麻盒等等，很多維多利亞的保母教導他的年輕人，應用裝飾紙片給他們，而這些蝶古巴特片缺乏微妙之處的技巧，他們用一定的大膽和感傷的魅力做成。
蝶古巴特是二十世紀的字，來自法國的字，意思為剪紙，剪下的紙重新組裝和設計，然後黏在漆或鍍金的表面，更傳統的技術包含應用30-40層漆，磨砂成美麗的光滑光澤。然而剪紙也可以應用在玻璃下或者提昇給一個三度空間，以這樣的長又多樣的歷史，不用驚奇蝶古巴特技術仍然以新奇模樣不斷發展，以它多彩的起源和多樣的技術，在這迷人的藝術型態其可能性是無限的提供，無盡的創造力和享受的範圍。(以上為筆者的中文翻譯)
台灣漆藝歷史
台灣漆器歷史
台灣的漆器發展是從日據時代才漸漸發展起來。漆器是人民生活中的習俗與宗教信仰不可少的生活用品。
日據時代，因漆器是日本人不可或缺的生活用品，因此日本有計畫的在台灣培植漆工事業，引種漆樹、製作漆器、設立工藝傳習所。對台灣的漆器產業有深遠的影響。
台灣漆藝發展是由官方或民間的漆器研習所來引導，最具影響的漆器製作研習所，以時間順序作以下說明。
日據時期
居住台中的山中公（日本四國人），開設「山中工藝美術漆器製作所」，設計了富台灣味的漆器產品，像是台灣蝴蝶、原住民生活、日月潭景色、花、水果等的圖案裝飾。被稱為「蓬萊塗漆器」。
1928年台中州政府設立「台中市立工藝傳習所」，招生學生，請山中公教授漆藝與管理，直至台灣光復後結束。
1941年在新竹市設立「理研工業株式會社」生產漆器。是一種有紀律的職業訓練教學工廠，生產漆碗、漆盤、漆盒、從木材製材、木工、車工、雕刻、打底、塗裝、紋飾都能完整生產。
台灣光復後
在台灣的一些福州師父開始自行開業，製作漆器，民國四、五十年，台灣民間結婚喜慶時，需要一些精緻用品，漆器產品自然成為需求，而多以木製漆器為主。
民國73年起，國立台灣工藝研究所相繼開辦漆藝傳習。民國84年行政院文化建設委員會為保存文化資產，列漆藝傳習為優先辦理。
85年起，國立傳統藝術新委託辦理陳火慶先生，賴高山先生等漆器藝人技藝保存傳習，使得此歷史悠久的技藝在台灣得以傳承。造就許多新的漆藝新血。
民間博物館
民間團體中也有積極投入漆藝的單位：南投縣埔里鎮「龍南天然漆文物館」，及台中市「台灣漆器博物館」。對漆藝的推廣很有貢獻。
大學教育
近年的大學教育中也有相關的漆藝課程傳授，如國立雲林科技大學、國立台南藝術學院、私立大葉大學等。
公辦漆藝館
唯一公辦的漆藝館是「豐原漆藝館」。
http://elearning.lishin.tcc.edu.tw/km2005/FTP/ERINCHEN2000/staffs.html
漆器之技術
根據漢朝許慎的《說文解字》，「漆」，取切割樹木流出汁液的象形；是指漆樹的汁液可以塗物。以天然的生漆所塗裝的器物，就稱之為漆器。生漆取自天然漆樹，加工成熟的漆再調製成色漆，塗刷於器物上以作為裝飾。在我國古代以漆塗物，稱為「髹」；用漆彩繪，謂之「飾」，因此將漆器工藝稱為「髹飾」，又《髹飾錄》為漆藝家黃成所著，是我國唯一保存的古代漆工專書。中國古代的漆器工藝，可追溯至新石器時代，到了戰國、秦漢時期，漆器工藝有逐漸興盛的趨勢，及至唐代，漆器的製作技術有更進一步的發展，並對外產生極大的影響。而歷代漆器的成就要屬宋元最高，不論是器型的設計或漆面的塗裝表現，都屬最為精美者。
漆是來自多年落葉喬木漆樹的汁液，是一種黏稠性極高的膠質物，具有黏著、硬化成形以及防水等功能。漆器工藝在中國已有七千年以上的歷史，先民們利用漆的理化特性來保護並裝飾日常的生活器具。根據考古學者的挖掘，一九七八年在浙江餘姚河姆渡遺址第三文化層發現一只距今七千年前的朱漆木碗；一九八七年更在浙江餘杭安溪鄉瑤山出土了一只嵌玉高柄朱漆杯，證明當時已有漆器藝術品的出現。我們可以從新石器時代的漆器已有彩繪、鑲嵌的高超技術水準，得知先人的智慧與成就。
由於漆本身就是一種塗料，具有彩繪的功能，漆面能夠呈現明亮的色彩與溫潤而亮麗的質感，並且由於漆料兼具抗菌、防腐蝕、耐酸鹼、耐熱、絕緣、防水、不變質、不褪色、不剝落等特性，可謂是優質的工藝材料，而非一般的人造漆所能比擬。因此，漆的用途很廣，除了各種工具、房屋建築、木器家具、廟宇的神像彩妝、塑像、棺槨、箱廚、提盒、桐奩、器皿、食用器具以及馬車⋯⋯等等，都塗漆保護，並用以增加美觀之外，更獨立發展出獨樹一格的漆繪藝術。
漆器發源自中國，具有悠久的歷史，從春秋戰國以來，歷代都有漆器工藝的製作。在漢唐時代，漆器工藝發展至最高峰，各種食用器具及家具都會以漆塗裝，而漆藝亦開始傳至朝鮮、日本及越南各國。因此，漆器可謂是我國甚至東方的一種特有文化。漆器發展至五代、北宋之後，由於生活及建築的逐漸改變，漆器在日常生活的運用明顯地降低，特別是在宋代以後，因為瓷器的風行，使得所有的食器都捨漆器而改用瓷器，即使是文玩擺設也不例外，又家具的用漆也僅限於表面的塗裝，螺鈿漆的製作也僅存在於少數的食盒及清代的家具裝飾紋樣，而真正的漆器則發展成明清的剔紅及剔彩等雕漆，製作成文玩來欣賞，屬於裝飾性大於實用性的藝術品。而此深具東方文化特色的工藝，除了持續在中國發展之外，影響所及的鄰近國家，諸如韓國、日本以及越南等東亞各國都有發展出獨具特色的漆器工藝。特別是在日本，漆器工藝已經成為最具代表性的傳統工藝，也因此博得「漆國」之美稱；中國大陸以漆畫著稱，而臺灣的漆器工藝在胎體的造形與複合媒材的表現上深具特色，日本的「蒔繪」將漆藝的細膩與華麗發揮得淋漓盡致，而韓國與越南的「螺鈿」則在鑲嵌的技術上大放異彩、美輪美奐。
https://ed.arte.gov.tw/uploadfile/Book/1458_sr_teach_companion5_01610173.pdf
剪紙藝術歷史
中國最古老的民間藝術之一，有人認為剪紙的前身可追溯到漢唐婦女使用金銀箔剪成方勝貼在鬢角為飾的風俗。而貼在窗戶上的剪紙又稱窗花。
早期的剪紙多見於喪葬、祭祀等儀式中，大約跟道家的靈媒神務有關，例如杜甫的《彭衙行》中明確記載「暖湯濯我足，剪紙招我魂」。時至今日，部分地區當慶祝節日時仍有剪鬼神之形貼於牛欄、門楣之上的巫術習俗，西南山區的集市上有由專門的剪紙作坊，批量生產神符進行銷售，各家各戶的灶台樓閣細處的剪紙也是每年一換。
民間剪紙至今依然保存了豐富的支脈，許多地方逢年過節，婚喪嫁娶，鄉民都會自備剪紙點綴牆壁、門窗、房柱、鏡子等處，以表祈禱福壽，吉祥如意之意。全國各地都能見到剪紙，甚至形成了不同地方風格流派，比較著名的就有高密剪紙、佛山剪紙等等。總體而論，北方剪紙粗獷豪放、純朴簡練，南方剪紙則更傾於秀雅繁茂、精緻和美。 其中不乏群眾耳聞樂見的題材，像八仙過海、百年好合、麒麟送子、老鼠嫁女等等。
民間藝術向來相互影響、相互促進，例如刺繡，它的圖案先用紙畫好裁出，俗稱紙樣，然後才粘貼到面料上起繡；又如皮影人物的刻繪，也和剪紙的造型一脈相連。
漆由於時代的發展，許多年輕人多數在城市中生活，目前擅長剪紙的多為農村鄉鎮中的老年婦女，隨著她們的漸漸離世，剪紙藝術日漸瀕臨消亡。為了中國剪紙文化的傳承，一些熱愛剪紙人士正在努力挽救剪紙文化，一邊收集各地的剪紙創作以豐富剪紙的樣式和庫存，另外還努力為剪紙藝術創造銷售市場，使它能夠為手藝人帶來經濟效益，以望推陳出新，發揚光大。
製作方法
剪紙的製作方法分為剪刀和刀刻，即剪鏤刀刻兩種，先起稿，再清楚標示剪去和留下的地方，再用刀刻。若轉彎的時候不轉刀，轉紙，剪紙曲線更能突出，更加流暢。
https://reurl.cc/O5bzj3
剪黏
歷史源流發展概況
傳統「剪黏」藉由「剪」裝飾材料（多為玻璃片或陶瓷片），再將其「黏」成各式各樣的型態，主要位於廟頂或者鑲於壁面中的水車堵、大方堵等。亦有臺灣工業技術成熟後產生的「淋搪」，「淋」指澆、淋的動作，「搪」則指艷麗、 耐久的釉藥。
廟宇的剪黏工藝，潮州人稱之為聚饒、貼饒、扣饒，而也有稱為「嵌瓷」者。傳入臺灣的時間難以考證，於史料文獻裡最早提及臺灣屋脊有裝飾紀錄為黃叔璥的《臺海使槎錄》，顯示至少1683-1723年（清康熙年間），臺灣廟宇已有聘用唐山師傅來臺施作的案例。
如學甲慈濟宮記載1661年（明永曆十五年）創建簡陋屋宇、1821年（清道光元年）的佳里鎮安宮，移民街庄形成後，「公厝」成為其典型的廟宇。山牆上放置楹子鋪設屋頂，只有磚瓦，沒有任何裝飾。
清道光年後「一廟多神」的祭祀行為，民間廟宇空間的增建，有以「點金柱」構成「殿」的空間形成，三川脊大量出現，屋頂上增加泥塑、剪黏等，至日治中期需求量增加。
然1915年（大正四年）臺南西來庵藉民間信仰、建廟名義，進行武裝抗日，而日方的「皇民化」運動，約束與排斥臺灣民間信仰的活動，1938年（昭和十三年）進行「寺廟整理」運動，一度導致廟宇彩繪、剪黏停滯、禁止，直至戰後初期廟宇整修、新建，逐漸恢復。
1960年代（民國四十九年），臺灣經濟起飛，外觀有以現代構造材料技術模仿傳統形式來建造的「傳統形式新廟宇」、「現代廟宇」。匠師與徒弟們營建修繕的廟宇多是水泥建築，原傳統玻璃剪黏費功耗時的做法不符合工業化潮流下的競爭市場，直至1980年（民國六十九年）後，「淋搪」製品快速量產的特性取代傳統玻璃剪黏。
近年，隨著文化資產保存意識抬頭，其提倡與推動，傳統匠師再度受到重視，政府單位舉辦講座、研習等活動，積極傳播保存文化資產種子，為逐漸消逝的傳統工藝帶來活水，工藝傳承儼然成為臺灣文化創意與保存傳統技術的顯學，帶來剪黏工藝發展的新契機。
資料來源：《巧手天成 剪黏大師王保原的尪仔人生》（2011）、王保原剪黏創作傳習工作坊第六期-壁堵仿作暨影像紀錄（2017）
https://reurl.cc/mRd70W
蝶古巴特作品集(1)
蝶古巴特作品集(2)
辛夷花工藝之美
感謝下表列人士公司行號的幫忙讓本雜誌可以逐步站起，並請今後不吝繼續指導為荷。
黃誌權、彭振堂、潘王村、林凰真
陳麗鳳、陳毅強、周芳蘭、趙雅淇
林金德、黃麗雪、王輔民、劉宏洋
喜願塾、喜閱塾
如瑋服飾、庫泥燒願景會
卿橙有限公司、馬崗凡夫工作室
卯澳漁村水釆田工作室
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庫泥燒實驗室研究員-施茂智
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趙雅淇、王輔民、林凰真、吳進枝
潘王村、朱繼興、黃麗雪、康平添
陳光復、游進枝、陳雲浩
升林公司 鄭清田
─花言茶語─
辛夷花好像櫻花一樣，先開花再長葉，色豔、味香；落葉喬木，高可達十五米，是城市園林或住宅庭院美化的名貴樹種之一。辛夷樹除低溫地區外，都可栽培，樹紋通順，質細堅實。辛夷花蕾可做藥用，及香料的重要原料。
花言茶語~自開自落，平淡、灑脫。
具有匠心匠才的工藝世界裡，有很多平淡灑脫的人，像辛夷花一樣全身是寶。世人盡管取用，卻不記言功的自開自落，在各個角落按其各自配下的腳步，默默耕耘。他們對學習的堅持及工藝技術傳承流程的嚮往，只知學習進步分享，不求輝煌騰達。
辛夷花雙月刊，旨在建立一個平台，秉著辛夷花的蘊涵，發掘出這樣的花朵推介給世人，冀祈提供社會共同創建學習分享的環境，替代追求功利為首的潮流使成為真善美的新境界。
出版社：永正出版工作室
發行人：林正國
企劃編輯：林正國
美術編輯：張家豪
電子郵件：linalex0413@gmail.com
出版日期：2024年12月
電子書：https://xflower.出版.tw
